比利時Mark Vanmoerkerke 收藏

文字︰丁燕燕 攝影︰丁暘

引子
位於比利時西北部Osstende這個荷語小城裡，藏有二千多件當代藝術中最耀眼的珍品，說的是收藏家Mark Vanmoerkerke的私人珍藏「The Art Collection」。Mark於2008年為他的藏品建新居，創立這個私人空間，同時定期開放給公眾參觀。訪問中，Mark分享了他管理私人收藏的經驗及藝術空間對一座城市的影響。


私人收藏管理學

五十八歲的Mark Vanmoerkerke笑稱自己在藝術收藏方面是一個遲熟的人，要到四十五歲才開始收藏。但做任何事都百分百投入的他，短短十多年來便建立起世界上最重要的後概念藝術藏品之一。他最為人津津樂道的是，當金融危機暴發，藏家們都勒緊口袋時，他郤一擲千金，在邁阿密藝術博覽會上一次購入八十八件作品。「你要知道，在你口袋空空時購進的作品，往往是最好的。因為你願意為它承擔風險，為它放棄其他的投資。所以，最珍貴的就是它。」

「一個優秀的收藏家得有勇氣承認自己犯錯，還得有魄力及能力整頓收藏。確立清晰、專一的定位方向後，就得有耐力拒絕某些作品。」Mark指自己從錯誤中學會了收藏的原則。購買第一件當代藝術品為的是裝飾辦公室，愛上了便隨心所欲地購進心頭好。不知不覺間，二千多件作品堆滿了家及倉庫。重新定位後，Mark在Oostende覓得一舊工廠，並在旁邊加建一座展覽廳，作為展示、保護收藏的地方。

當藏品越來越多時，最叫收藏家頭痛的，便是保存及維護的問題。Mark特別注重這方面的工作，「這是任何一位收藏家應盡的基本職責。」Mark有整整兩層空間用作保存作品，溫度、濕度、燈光等均遵照美術館規定。不展出的作品，便妥善安置，如圖書館般分區分碼。大型繪畫、油畫及攝影作品一律架在拉櫃內，小件的平面作品，則放入壁櫥，三維作品則獨立裝在等製的木箱內，當眼處貼好作品標籤，根據藝術家姓氏排列。Mark的藝術圖書館同樣管理妥善，「我們清楚地知道這些資源的學術及歷史價值，所以我們設立了兩個獎學金，幫助有志於私人收藏管理學的碩士或博士生進行研究。」


何謂私人藝術空間？

「這是一個半私人、半公共的藝術空間，只要有人按鐘，相識不相識的，我都會為他們開門。」好，讓我們先來理解一下私人藝術空間的定義及性質。

收藏向來是私人主導的，無論收藏對象是藝術品或罕世珍品，它往往帶有強烈的個人印記。過往收藏是權貴的專利，後來亦成為文人學者建立專業知識體系的方法。我們今天所認知的博物館及圖書館都是由私人收藏演變而來，可以說，公諸同好的私人藝術收藏便是美術館的前身。經驗三個世紀的演進，公共美術館(無論是歐洲的國立或是美國的私立美術館)漸漸成為了藝術珍品的合法歸宿，收藏家亦樂於支持這些美術館，出錢出力、捐贈作品等。

但近三十年來，由收藏家自發地買地、建展覽館、策展、聘請博物館管理專才，甚至策劃社區教育項目等的例子越來越多。現時全世界大約有七十五個私人空間，主要集中在歐美國家。這個轉變，與藝術市場的活躍有直接關係，但更深遠的原因是美術館的僵化。作品價格高漲，令很多美術館難以與財力龐大的藏家競爭。加上美術館的購藏制度繁複、保守，對於前衛、具挑戰性的作品往往反應慢三拍，是以絕大部份當代藝術品落入私人收藏中。收藏家亦因而再次成為承擔經濟風險、支持藝術家生活及創作的人。「美術館有它的歷史責任，一個好的館藏必須具有歷史性、渊博性及完整的文獻記錄。私人收藏沒有這些包袱，自由度、冒險性及開放性才是最重要。」Mark說。


私人藝術空間與城市

Mark選擇在Oostende建立這個私人空間，除了這裡是他生活的地方外，另一重要原因是，這個皇室最愛的海邊渡假小鎮，甚麼都有，就是當代藝術欠奉。「莫說美術館，就連畫廊亦要開車到其他城市才能見到。」

Mark決定興建藝術空間時，只和算間學校談過，看看社區需要甚麼，其他行政部門只需「通知一聲」。這是全私人投資，不設門票，亦不需政府資助。很自由的，沒有半點美術館的規矩，部份作品更可讓參觀人士觸摸。「觸摸藝術品是一種很刺激的感覺，往往年輕人愛上藝術，就是親手接觸過作品，很有人味的。」Mark說。

這個私人空間的探訪率非常高，因為這裡每六個月就會舉行新展覽。Mark從不自己策展，而是邀請知名的策展人來為他策展。收藏家一般都不喜歡以學術的角度來看待自己的收藏，但空間一旦開放，便應要有某程度的「教育」意義，故此，Mark選擇外援。「第一個受教育的人就是我自己」，他笑說。本著「分享是樂趣」的信念，Mark以驚人的魄力及財力，獨力管理著這座藝術聖殿。

1. 金融投資專家Mark Vanmoerkerke在他的私人藝術空間接受筆者訪問，背後為藝術家On Kawara的「Date Painting」(1973 – 1978)。

2. 藝術空間外觀，左邊為舊工廠改建而成的展覽廳，右邊為加建的展覽廳及辦公室，最右邊為著名藝術家Dan Graham的「Pavilion」裝置作品。每有藝術家到訪，Mark都會邀請他們為建築物拍照，此為攝影師Philippe de Gobert的作品。(由Mark Vanmoerkerke提供)

3. 舊工廠展覽廳，現正展出著名策展人Jan Hoet為Mark策劃的Noli Me Tangere (別碰我)展覽。圖中包括Carsten Holler、Kris Martin、Dominique Gonzalez-Forester、Steven Parrino、Philippe Parreno、Maurizio Cattelan 及Lara Favaretto的作品。

4. 藝術空間內的辦公室，背後為Bernd and Hilla Becher的攝影作品。

5. 不展出的大型繪畫、油畫及攝影作品一律架在拉櫃內。

6. 分門別類的儲存倉。

Erika Hoffmann 私人收藏 - 柏林

文字/丁燕燕
圖片提供/霍夫曼私人收藏
原文刊登於香港經濟日報2010年8月18日 文化版


引子
七月天的柏林總是烈日當空，照射得有點發狠。37度的高溫下，我選擇了一個悠閒的方式來親近藝術──到訪德國著名收藏家Erika及Rolf Hoffmann(霍夫曼夫婦)位於市中心Mitte的15,000平方尺豪宅，一嚐與當代藝術同居的滋味。


與藝術同眠
霍夫曼大宅位於較為僻靜的Sophie-Gips-Höfe庭院內，這一帶於上世紀初為猶太社區，以傳統手工業聞名。霍夫曼夫婦於1994年購入前身為縫衣機工廠的黃磚大樓，將之改建為住宅及辦公室。霍夫曼夫婦選擇保留舊工廠的味道，以簡樸不加修飾的設計來改建，牆身只簡單地刷上白油，而部份工業式天花板更任意暴露，昔日辛勞的痕跡處處可見。大樓外牆更有數不盡的子彈洞，就連藝術家Thomas Locher的裝置作品亦無法遮掩歷史的傷口。

年邁七十的Erika週未時會特別整理她的辦公室，但我們依然可從微細的地方察知主人的喜好，如案頭的報章、沙發上的書籍等。而地上角落處放著一個花布包袱，Erika解釋說，那是韓國藝術家Kim Sooja送給她的作品，包袱內放著的是丈夫Rolf的衣物，紀念他於2001年離世。隔壁的書房裡，Erika放了Chapmen Brothers一組83張的版畫，要仔細看完整組作品，還得花上一點時間呢。至於客廳則疏落地放了數張沙發和一張圓形餐桌，對Erika來說，傢俱擺設須具靈活性，因為她每年都會重新佈展，「這樣，整個生活空間改變了，人的精神亦為之一震」，Erika笑著說。炎熱的七月正是Erika重新佈展的時候，因為它是最乾燥、對藝術品搬運最有利的天氣。


開放的私人收藏
到訪Erika的家已不是甚麼藝術圈的內幕消息，事實上，霍夫曼夫婦於1994年從科隆移居柏林時，目的就是要將他們的私人收藏公諸同好。現在，逢星期六中午至下午四時，預先報名的公眾可獲接待，由專業導賞員帶領，參觀霍夫曼夫婦四十年來精心建立的龐大收藏。Erika強調，這是私人收藏，不存在所謂的收藏規則，但每一件作品都反映了主人的品味和對藝術的認知及追求。Erika說︰「我們購藏一件作品，原因是它能帶給我們思想上的挑戰和豐盛我們的生活經驗。」他們不以累積著名藝術家名單為樂，亦從不公開收藏的規模，但他們喜歡與藝術家交往，很多蜚聲國際的藝術家，當年都是和他們同步成長的，而今天寂寂無名的年輕藝術家，亦是他們的關注對象。於是，我們在這裡看到了Gerhard Richter的抽象油畫、Bruce Nauman 及Mike Kelley的雕塑、Boltanski及Isa Genzken的裝置作品、Jean-Michel Basquiat的塗鴉、Nan Goldin的相片，還有Frank Stella的牆上雕塑、Frank Gehry的bubble長櫈等。在這星光熠熠中，我們亦踫上年輕藝術家的作品，如Chiharu Shiota、Yael Bartana等。

這裡不是美術館，沒有嚴密的守衛或閉路電視，一切建立於收藏家對公眾的信任和公眾對屋主私隱的尊重。牆上沒有作品介紹或藝術家名字，所有作品平等而相容地共處一室。但如果你願意發問，你會得到所有你感興趣的資料，因為這裡沒有穿制服的保安，只有熱愛藝術、能操多國語言的導賞員，陪伴你走過兩小時的旅程。參觀結束時，你會在Erika的客廳逗留，喝杯水，總結參觀的感受。


如何開始？
霍夫曼夫婦於六十年開始收藏當代藝術品，那時他們住在Dusseldorf附近的小鎮Mochengladbach，在這裡，Rolf經營龐大的家族製衣業生意van Laack，修讀藝術史的Erika則成為時裝設計師。那是百廢待舉的德國，年輕的當代藝術家們蠢蠢欲動，有能力的新一代如霍夫曼夫婦渴求新知識、新體驗。在這裡，他們遇上了。Erika回憶說，那時出席展覽開幕禮是生活重要的一部份，很多新朋友、新意念、新計劃就是這樣誕生的。當年她邀請過Marcel Broodthaers任廣告模特兒，亦Andy Warhol亦為她在紐約時裝週的表演中擔任top model。

這個時期給霍夫曼夫婦印象最深刻的，可能是Joseph Beuys，相識多年，他們被Beuys的個人魅力所吸引，但從未購藏過Beuys的作品，「因為他的藝術意念比作品重要，現在我們開放收藏，實質上是力行他的social sculpture理念，以藝術貢獻社會的倡議。」柏林圍牆倒下，霍夫曼夫婦強烈地希望能為統一後的德國做點事，於是帶同整個收藏移居柏林，「我們相信當代藝術對人的獨立思考有莫大的啟發作用，我們希望把它帶給新一代，與他們分享這些前人獨創的偉大作品。」

Caption:
1. Floor 1997-1998: A.R.Penck, Standart Modell, 1968; Jean-Michel Basquiat, Levétation, 1987; Jean-Michel Basquiat, Untitled, 1987; Frank Stella, Of Whales, in paint, in teeth…, 1990
2. Erika Hoffmann in front of a Frank Stella in her salon
3. 2003-04. left: Fang Lijun, 1999.2.1, 1999.
right: Frank Stella, The Beggarwoman of Locarno, 2000
4. 2009-10. Suzan Pitt, Untitled Sculpture, 1983, acrylic on plywood
Yael Bartana, Mary-Koszmary, 2007, one channel super 16mm film transferred to video
Chiharu Shiota, Inside-Outside, 2009, ca. 280 windows, one chair
Christopher Wool, Untitled (FEAR), 1990, enamel and acrylic on aluminum
Reiner Ruthenbeck, Aschehaufen III, 1968, ashes, iron sticks, wire (ca. 1t clinker)

觀影印記 – 法國電影資料館

文字 / 丁燕燕
圖片提供 / Cinémathèque Française
原文刊載於「明日風尚」2010年8月號


51, Rue de Bercy
法國電影資料館座落在美國著名建築師Frank Gehry在巴黎的唯一建築物，前身為美國文化中心，1994年建立，運作了十九個月就關門，一個未圓的美國夢。建築物易主後，經過十年的改建，於2005年成為了電影資料館的大本營。這座輝煌華麗的建築物結合了三間影院、三個常設及主題展覽空間、一個電影資料及研究中心、教育空間等。然而回顧電影資料館成立以來的七十多年生涯，它郤是歷盡坎坷，由最初期的游擊式放映到經歷數度搬遷，最後進駐Palais de Chaillot，它遭遇了幾場火災，損失慘重，二戰期間經幾艱辛的匿藏生涯，方能逃過納粹的鐵蹄。漂泊一生，電影資料館遷往現址後，方能收集起她的電影資產，連同放映室、博物館及電影圖書館一起在新居安頓下來。

法國電影資料館的館藏是全世界最龐大最獨特的一個。因為它擁有由電影誕生至今最重要的四十萬部作品外，還有五十萬張相片、四千部不同年代的攝影機及其他數十萬件的文獻、書籍、雜誌、劇本、海報、器材、服裝、佈景、道具等，而當時這些東西並未得到重視。此外，資料館在巴黎近郊的兩座片庫更是專為收藏舊影片而設計，包括易燃的硝酸鹽纖維 (Nitrate)影片，同時設有技術廠房，負責拯救這些腐爛中的膠卷及舊器材。電影資料館的收藏貫徹了「全世界的電影、電影的整個世界」的理念，而提出這個理念的，正是它的創辦人 – Henri Langlois。

《Le dragon qui garde nos tresors》
要介紹法國電影資料館的歷史，就等同於介紹Henri Langlois傳奇的一生。「電影資料館誕生於Langlois個人的熱情、遠見及使命感，而他耗盡一生，以一己之力為後人留下一座寶庫。」接受訪問的資料館歷史研究總監Laurent Mannoni先生這樣說。當年Jean Cocteau將Langlois比喻火「守護寶藏的巨龍」。

1914年出生的Langlois，年輕時喜歡躲進劇院，觀看早期的無聲電影，和你我一樣，口袋裡的硬幣總是花掉在收藏電影海報、雜誌、書籍等。那時是上世紀三十年代初的巴黎，亦即有聲電影開始成為主流，漸漸取代默片，而大部份默片的膠卷因存放困難而被銷毀。在這急促的時代轉變中，電影保存的概念隨之誕生，但不同的國家、機構甚至個人對於保存的方向及內容有不同的理解。美國華盛頓國家圖書館只保存有版權價值的發明，如愛迪生的Kinescope；大英博物館只收藏最重要的作品，如第一個英國電影人Robert-William Paul的The Prince’s Derby；而法國的電影收藏，只限於時事紀錄性質的影片，作為國家歷史的一部份。當年只有十八歲的Langlois，目標很清晰地鎖定於正在消失中的默片。他在雜貨店、舊影院、跳蚤市場，甚至垃圾堆裡找到了Georges Méliès、盧米埃兄弟等電影先鋒的珍貴膠卷。很快地，他的收藏範圍擴大至二、三十年代的前衛電影，因為當時的影片放映後就變成零價值而被銷毀。1935年，Georges Franju (後來成為重要的電影人) 加入Langlois的拯救行動，並共同成立第一個cine-club (電影學會)，逢星期五晚租用法國國際電影所(FIF)的放映室，其他時候就游擊戰式地轉移基地，而更多的，是在Langlois父母的家裡放映。這裡還佈滿了Langlois的私人珍藏 ── 電影道具、佈景、舊攝影機等。就這樣，年輕的Langlois在不知不覺間為將來的電影資料館定下了鄒形。

電影資料館於1936年在Paul Auguste Harlé的贊助下正式成立，至今它仍是半資助半私人性質。當年二十二歲的Langlois成為負責人，並擁有一個辦公室，但放映的地方依舊是FIF及Langlois的家，而藏品則四散在Langlois家人及朋友借出的酒窖、古堡、農場等。查看舊檔案，我們確要相信年輕的Langlois對電影已有深入而廣博的認識，在節目策劃方面雖然主觀但獨具慧眼，這亦反映在他收藏影片的選擇上。以資料館成立初期的節目為例，除了有他一直推崇的默片外，還有現在成為經典而當代未被重視的作品，如早期的Ferdinand Zecca。Langlois又喜歡以國家風格分類，如美國二十世紀初DeMille、James Cruze、Griffith的作品；二十年代的法國前衛風格如Jean Epstein, Jean Clair, May Ray等；前蘇俄的蒙太奇之父Sergei Eisenstein、Vsevolod Pudovkin；瑞典的Victor Sjostrom 及 Mauritz Stiller等；德國的Fritz Lang、Robert Wiene、Georg Wilhelm Pabst；美國式的音樂電影如 Mack Sennett、Buster Keaton、Fatty Arbuckle、Harold Lloyd等。收藏方面，從一封Langlois給當年被忽略的電影大師Jean Dreville的信中，我們發現，作為一家私立電影資料館，Langlois的野心及遠見比任何一個國家電影資料館還要大，他收藏的方式是：重要的電影人的全部作品，包括底片及他將來的所有作品，Langlois還注明，可能的話，是送交國家或製片人審查前的原著版本。另一方面，他繼續四出尋找贊助及舊片，希望建立一個最完整、最國際性的電影資料庫。二戰前夕，Langlois宣稱他的收藏已是全世界最大、體系最完整的一個。

《Les enfants de la Cinémathèque Française》
Langlois 相信，電影資料館除了是看電影的地方，更是學習電影藝術及歷史的聖地。他希望觀眾能於觀賞過程中有所得益，所以他的節目編排很具「比較學習」的意味，如他喜歡於同一晚放映不同風格、類別及國家的影片。很多時，放映默片時他不加配樂，外語片則不加字幕，因為他認為觀眾應該專注在電影的技法上，以及各類影片間的內在連繫。

二戰後的電影資料館漸具規模，除了得到國家資助以維持日常運作外，它終於擁有一個固定的放映室 ── 位於巴黎八區Avenue de Messine的三層小樓。有了固定的地盤，Langlois的節目策劃來得更刺激。著名影評人Cynthia Grenier在2004年接受訪問時回憶當年的觀影情況說︰「那時候，Langlois喜歡以電影週的方式策劃節目，每晚三部，一週七天。一個影痴只要堅持每晚看足三部電影，兩、三個月下來，他就可以全面掌握德國、俄國、美國、日本、英國、法國、印度等由早期默片到最當代的電影史。」Langlois更以「慧眼識英雄」的本能，使電影資料館成為英瑪˙褒曼及黑澤明首次在歐洲公映作品的地方。Grenier說︰「要透過這個方式認識褒曼及黑澤明的電影是有代價的。你得連續五、六個晚上在這裡消耗六個小時，以三明治代替晚餐，看你聽不懂而字幕欠奉的原聲版本。」但六十座位的小影院很快就塞滿了幾百人，坐在地上前排的，連鼻子也快碰到螢幕了，有時連警察也被驚動了。戰後時期，我們可在人群中找到Robert Bresson、René Clement、Henri-Georges Clouzot 及 Jacques Becker等新一代大師。

亦是在Avenue de Messine放映室裡，另一個傳奇正在醞釀著。在這裡，一群年輕的電影發燒友遇上了，他們自稱為「法國電影資料館的孩子們」，每天到這裡朝聖，沉醉在電影世界裡。他們學著Langlois組織電影學會，撰寫影評，建立理論，批評時下小資式商業電影。當年他們還不足二十歲，背上貼著「逃學邊青」的惡名，額前散發著「締造歷史」的朝氣，他們就是後來的法國新浪潮大導演們了。Grenier回憶說︰「整個新浪潮的電影人都在，Alain Resnais、Jacques Rivette、Claude Chabrol、Roger Vadim。我很清楚地記得，杜魯福、高達和盧馬必定是坐在第一排，他們是最多意見、最容易被認出的。那時他們下午在香榭麗舍大街的主流影院看最新作品，晚上就去電影資料館看至經典、最另類的影片。我懷疑他們到底有沒有見過太陽﹗」

十六歲的杜魯福逃離了學校和家庭，電影院成為了他的避難所。在Avenue de Messine，他看到了不同國家的經典及前衛作品，包括美電影大師John Ford、Howard Hawks、Nicholas Ray等。電影資料館不僅成為了他的電影學校和社交場所，1950年1月19日下午四時的那場電影中，十八歲的他遇上了叫他一生又愛又恨的Liliane Litvin。根據杜魯福的傳記作者及現任法國電影資料館總監Serge Toubiana的說法，為了接近Liliane，杜魯福甚至搬到她家對面，而他當時的情敵正是編劇Jean Gruault及高達。Liliane後來成為了杜氐多部作品的女主角形像，如《Antoine and Colette》及《四百擊》等。在杜魯福後期的作品《偷吻》，開鏡一幕便是當年的電影資料館，向Langlois致敬之餘，亦回望年輕時在這裡渡過的日與夜。

1948年，十八歲的高達從Nyon回到巴黎，於索邦大學念民族學。此期間，他找到了天堂。他告訴傳記作者Jean Collet說︰「在電影資料館裡，我發現了一個從來沒有人告訴過我的新世界。他們告訴我哥德，但從沒提過Carl Dreyer。在這裡，我們看默片，做著電影夢，很有系統地消化了一切可以看到的東西。」高達認為Langlois是最偉大的電影史學家，而Langlois認為高達是最重要的電影近人類。Mannoni告訴我一件二人的趣事，年少狂妄的高達籌不到錢拍電影，於是寫信給Langlois，叫他賣了電影資料館來資助他的電影。另一位到電影資料館朝聖的是Jacques Rivette，當年他因窮困不能負擔門票，於是寫信給Langlois，請求讓他免費看戲。後來，他收到的，不單是免費門券，還有Langlois親自送贈的電影膠卷。五年後，他拍了他的第一部短片。

Langlois認為默片是學習電影藝術的不二法門，他經常在節目表中加入默片，同時著重意大利新現實主義及荷里活經典作品，他的節目編排以導演為主線，並極力提倡導演是影片的真正作者的理論，將導演的位置抬高於編劇和製片。中場休息時，影痴們一手香煙一手咖啡，繼續熱烈地辯論。他們會收藏劇照、海報，比較各人的「最佳導員名單」。就是這樣的氛圍讓日後新浪潮導演們對早期電影大師特別尊重，卓別靈、Griffith、Sjostrom、Keaton、安東尼奧尼、羅伯托˙羅塞里尼及Erich von Stroheim等人的作品一直影響著他們的創作。而當他們初執導演筒時，他們已意識到這是整部作品的成敗關鍵。並且，他們隱約中似乎已摸索出自己在歷史時空的位置了。

隨著電影資料館於1955年遷往拉丁區Rue d’Ulm的270位座大影院，Langlois的節目更大膽創新。Langlois一向堅持自己的「無政治」立場，所以無論是左翼或右翼政府，他都能說服他們把錢拿出來；同樣地，在冷戰期間，他可以自如地穿梭鐵幕。於是高達在這裡看到了蘇維埃25年電影回顧展共80部的作品，而杜魯福則發現並深深愛上了英國的希治閣。此外，Langlois亦是提倡以純藝術的角度重新認識納粹德國作品的第一人，但同時他亦推出和路迪斯尼及北歐國家的作品，甚至提出以女性導演為專題的電影週。

《L’Affair Langlois》 – 1968
六十年代初，本身也是影痴的André Malraux成為文化部長，在他的大力支持下，電影資料館又再度升格，搬遷至十六區的Palais de Chaillot，當時有人開玩地說，只有法國人才會把電影放進皇宮裡。電影或許尚未成為今天的「第七藝術」，但對Langlois，它是高於一切，在這皇宮裡，Langlois終於如願地正式建立了電影博物館。此期間，電影資料館仍舊保持它的獨立性及國際性，而吸著它乳液長大的新浪潮導演們亦開始成名，電影資料館亦成為他們發表、保存作品的地方。

電影資料館不斷擴張、變格，Langlois不受約束、藝術至上的管理方式亦開始出現問題。終於， Malraux以「管理不善、賬目混亂」的理由開除了Langlois，把這位建立並管理電影資料館三十二年的靈魂人物踢出門外。國家粗暴地主宰文化機構，不分情理的手段震撼了整個文化界，世界各地電影人亦為Langlois的革職震驚，事件迅速成為國際醜聞。來自世界各地的著名導演、演員、製片、電影公司紛紛連署聲明禁止法國電影資料館放映他們的電影，法國電影界則在杜魯福的召集下示威集會，杯葛法國電影資料館及其新任總監。五月開鑼的康城電影節亦成為戰場，由杜魯福發起的「捍衛法國電影資料館組織」更將行動升級，電影節宣佈「罷節」以示抗議。在巴黎，電影資料館的職員罷工示威，文化界、學生、平日的觀眾紛紛加入遊行隊伍，事件一發不可收拾。那到底「Langlois事件」是否就如Bertolucci在《戲夢巴黎》裡所描述的那樣，是撩起法國五月風暴的火頭？Mannoni認為，事件被當時的一些學生及社會運動家「騎劫」了，因為新浪潮的導演已極具知名度，加上他們的代表了新時代的精神，年輕一代極容易地受鼓動，事件便成就了一場醞釀已久的風暴。

為了平息風波，文化部讓了步，Langlois重新回到了電影資料館的領導位置。但自此之後，再沒有政府資助發下了。為了籌錢運作資料館，Langlois身兼數職，最後心力交瘁，1977年心臟病發逝世。就在他離世前三年，奧斯卡頒發了「保護電影產業」的特別獎給他。失去了靈魂人物的電影資料館，步入了黑暗期，幾乎停止了運作。直至1991年Dominique Paini出任總監，才與各政府部門重修於好，使電影資料館再度投入運作。

今天，法國電影資料館與巴黎兩家最大型商業影院毗鄰，附近的街道亦以著名導演任名。在巴黎南部這個新發區，它又再度成為文化界活躍的一員，雖然不如昔日般舉足輕重，但內裡的文化瑰寶、另類的藝術品味，使它繼續成為年輕電影人的朝聖之地。

巴黎 – 倫敦 綠色單車徑

文字 及攝影 / 丁燕燕
原文刊載於「明日風尚」2009年12月號


一條連接巴黎與倫敦的綠色單車徑將於2012年初步落成。這條全程350公里的路線，將由倫敦開始，經過East Sussex、Redhill, Crawley, Heathfield, Newhaven等，然後由Transmanche 渡輪渡過英倫海峽，到達法國國境的Dieppe。法國部份則包括Neufchâtel-en- Bray, Forges-les-Eaux 及 Gournay-en-Bray, 經過Gisors、Gasny 及Cergy-Pontoise 進入巴黎。沿途名勝包括法國Pays de Bray的小山谷、英國Kent的懸崖及無數的歷史古蹟、古教堂、城堡等。此外，一系列的旅遊配套，如酒店、餐廳、觀光導遊、演出、生態之旅等節目，供由遊客選擇。連接機場、火車站的公共交通亦會配合發展。其實，目前已有不少單車愛好者自行發掘通往兩國的單車行路線，但繼巴黎極之成功的單車推行計劃，及倫敦效法巴黎取得成功後，兩國政府終於決定全力發展綠色單車徑，使之安全化、舒適化。

Making Worlds - 53rd Biennale di Venezia 2009

Published in InitiArt Magazine

Prelude
The 53rd Venice Biennale which started on 7th June following a four-day VIP preview will last till 22nd November. Taking Making Worlds as the title, this year’s curator, Daniel Birnbaum, said that “a work of art represents a vision of the world and if taken seriously it can be seen as a way of making a world.” As an exhibition, it expresses the curator’s wish to emphasize the process of creation. “Fare Mondi // Making Worlds is an exhibition driven by the aspiration to explore worlds around us as well as worlds ahead. It is about possible new beginnings.” Presented in different languages, the title of the exhibition pointed to issues such as globalization and cultural identity. If the disappearance of one language will take away part of the world’s imagination, then the differences and gaps left over in the process of translation will also increase the world’s imagination. Perhaps that’s how the world was born at the intersections of different cultures. But, what kind of new world does art offer us? How a world imagined by artists differed from the world we encounter everyday? Where lay the possible news beginnings for making an alternative world?


Making lost worlds
The beautiful Venice gives me headache.
With a 5-day agenda fully packed of openings and exhibitions and a map dotted with different colours and shapes, I glided through the matrix of canals and Bernini. Whoever experienced Venice would know that getting lost is part of the program; resorting to body language requests a new kind of theatre training; walking through the evening flood of San Marco is a test of your agility. Desire it or not, everything is guaranteed, not to mention the Sun that’s constantly baking your ice-cream. How to complete the task of visiting 90 artists’ work in the thematic show, 77 national pavilions and 40 collateral events within 120 hours becomes a real challenge. Before I tried to understand how art makes world, I am already lost in the world of art. I followed closely the footsteps of my tour guide.

After sneaking into the cocktail reception of the prestigious Guggenheim Collection where I joined my tour guide, we headed to Arsenale for the thematic show. Like a prelude, Lygia Pape’s (1927 – 2004) poetic installation of gold threads Tteia I, C (2002) announced to us that we are entering into an illusionary world orchestrated by artists’ big ego at our own cost. In the second room, we tried to catch up the performance of the Italian artist Michelangelo Pistoletto (b. 1933). 22 gigantic mirrors arranged alongside the walls, with an eyeshade and a wooden hammer in hand, he broke half of them each in one or two strokes. A big hole with cracks appeared on the surface and thousand pieces of broken glasses on the floor. In what way does such a dramatic act relate to “Making Worlds”? Pistoletto explains, “The stroke is like the Big Bang, the broken glasses are the particles in constant self-multiplication. The reflections of the space from thousands of angles expand the limited space into infinite.”

MICHELANGELO PISTOLETTO, Twentytwo Less Two, 2009, mirror, wood, 22 elements - 300 x 200 cm each, Photo: Alicia Luxem, Courtesy Galleria Continua, San Gimignano / Beijing / Le Moulin

Art provides us different perspectives to see the world; at the same time, it also forces us into naked confrontation with what we do not want to see. Born in Hong Kong in 1973 now lives in New York, Paul Chan’s video Sade for Sade’s Sake (2009) is one of these works. The 5hrs45mins video presents shadow plays of sexual violence and sadism, a critique of the real situation in Abu Ghraib Prison in Iraq. So, how did he understand “Making Worlds” as a theme? Paul Chan said, “An individual is a world, a world more than the world itself. A shift of mind means more than a change in gravity itself.” A walk along the long hall took us four hours. I was lucky again to meet another artist Pascale Marthine Tayou (b.1967) from Cameroon. Tayou shows his Mankind (2008), a huge installation featuring an African ghetto with wooden houses whose walls are projecting videos of daily life in modern cities such as Tokyo, Taipei, London, etc. Artist said that he intends to create a world in construction, full of spontaneity, movements and circulation, a communication in the making.

Paul Chan, Sade for Sade's Sake, 2009, Video, loop, 5.45hrs. With Courtesy of the artist.

In Giardini, the newly transformed Palazzo delle Esposizioni stages the other part of the “Making Worlds” show. The first work that caught my eyes, and most of the others, is a huge but airy installation resembles a spider web that fills up a room. The Argentina artist Tomas Saraceno (b. 1973), who also won this year’s Calder Prize, employs lightness and delicateness of the spider web to depict the fragility and vulnerability of the world. A trap waiting for its prey, Saraceno invites audience to walk at the middle of. “I hope they would be tangled up. This is our reality!” Beautiful and tender on the look, dangerous and cruel at the heart. Such equation can justifiably apply to the Swedish artist Nathalie Djurberg’s (b. 1978) morbid work. A garden of over-grown gigantic flowers, colorful but poisonous. Two claymation video installations show deformed men and women searching for love and life. However, the world is too distorted, too morbid, too dark to offer any dream. Tomas Saraceno, Galaxies forming along filaments, like droplets along the strands of a spider's web, 2009, elastic ropes, photo courtesy of the artist

While I was still excited to see the biennale for the first time, my experienced tour guide dropped here and there the same comment, “Done already!” Hard to please? Maybe. Demanding? Surely yes! But isn’t it our rights (finally) to be demanding in Venice? We do expect this prestigious biennale to offer us a new vision, something experimental and innovative as it’s always been. While his disappointment might be with the young and the new, my disappointment is with “the great of the greats”. This year’s Life Achievement Award winner John Baldessari (b. 1931) designed an ocean for the entrance of Palazzo della Esposizioni which is simply too big to be noticed. While the Gold Lion winner Tobias Rehberger (b. 1966) designed a café, Rirkrit Tiravanija (b. 1961) opened a bookshop and the Italian artist Massimo Bartolini (b. 1962) created a permanent education centre. Wait... are their egos tamed by the financial crisis? Why do they all become designers making practical world? Other than blurring the already thin line between contemporary art and architectural design, I cannot see their genius in function. Despite the repeating emphasis on “a possible new start” in the press release, I am afraid that only the truly adult can see the Emperor’s new clothes. Unfortunately, we are in the era of kidult. The conservative taste of the curator failed to give us hints of a possible new vision. The title “Making Worlds” itself is cleverly generous, over-idealistic to be visionary. After visiting the show, one finds it cleverly strategic, over-comprehensive to be responsible. Is there a line of thought in curatorial direction? Does he believe in what he is presenting? Did the curator trap himself with his own strategy of leaping over curatorial traps?

The Gold Lion winner Tobias Rehberger (b. 1966) designed a café

Nevertheless, I am impressed by the Brazilian artist Cildo Meireles (b. 1948)’s colour combination rooms, Chinese artist Chu Yun’s (n. 1977) Constellation consisted of indicative LED lights from domestic appliances and Italian artist Lara Favaretto’s (b. 1973) Swamp, a momentary Pantheon for the “lost” figures of Art’s saints.

National Pavilions and Collateral Events

Among the 77 countries participating in the national pavilions, we see a geographical shift in the art world. With Western Europe obviously suffering from creativity-obesity, the French, the German, the Italian and the Japanese and the Chinese in Asia are out in the qualification match, the ball passed to the traditionally off-centre countries. This year, we have Zilvinas Kempinas’ (b. 1969) VHS tape-constructed Tube in Lithuanian Pavilion to exemplify the beauty of simple interplay between solid and airy, light and shadow, inside and outside. Krzysztof Wodiczko's (b. 1943) projection transforms the internal space of the Polish Pavilion to an illusionary outside, a parallel to the sentiment of his Guests, the immigrants, who are in an eternal state of being the outsiders, the intruders even they are at “home”. In the Egyptian Pavilion, the two artists with 27 years apart crafted the “lightly monumental” to remind us what true art once was. Ahmed El Askalany’s (b. 1979) deity-like monumental figures greet us while we walk into this sacred temple with frescos by Adel El Siwi (b. 1952) of paper, cloth and paint.

Zilvinas Kempinas, "Tube", Wood, nails, magnetic tape, 28 x 3 x 3 meters, site specific installation, 2008.

Krzysztof Wodiczko, Guests, 2009, video installation, 17.17 minutes, courtesy of the artist and Zachęta National Gallery of Art, photo courtesy of Profile Foundation

Andrei Molodkin (b. 1966) is showing alongside 6 compatriots in Russian Pavilion, entitled “The Victory Over the Future”. Molodkin’s installation Red and Black (2009) is as political as usual. Red stands for blood (coming from a Russian solider who has fought at the Iraq war), Black stands for oil. An electrical pump pumps blood and oil into a hollow sculpture of Wings of Thrace, the image of the statue is projected on the wall. What’s the difference between a world imagined by artist and a world imagined by politicians? Molodkin replied that “artists make what’s negative to positive and politician makes positive negative. My statue is hollow, like a film negative, but the projection makes it a firm image. The politicians bring destruction to the world in the name of development.”

Andrei Molodkin, Le rouge et le noir, 2009, Russia Pavillon

Among the Asian pavilions, the real surprise comes from Singapore’s A Life of Imitation in Palazzo Michiel del Brusa. A series of poster paintings in the style of the 1960s, a photo collection of disappeared cinemas, re-interpretation of famous scenes form classical movies, the artist Ming Wong (b. 1971) uses cinema as a collective memory to articulate the fluidity and conflicts of different gender, cultural and identity roles in a multiracial society such as Singapore.

Ming Wong, In the love of mood, 2008. With special thanks to the art. Copyright Ming Wong.

This year’s Best National Pavilion prize goes to the US for its presentation of Bruce Nauman’s Topological Gardens which is shown in three locations: Giardini, Università Iuav di Venezia and Università Ca' Foscari. However, if there is a so call The Most “Mediatique” prize, it would surely go to the Danish and Nordic Pavilions’ The Collectors, curated by Elmgreen & Dragset. Two collectors lived next to each other, a broken family with broken dining tables and dishes, another a homosexual erotic novel writer whose corpse is floating in his swimming pool. Inside the houses are the works created by 22 artists and designers and they are now put on sale. Want to buy them and be a collector yourself?

The collector, curated by Elmgreen & Dragset’s, Danish and Nordic Pavilions

Fortunately, most of the collectors would not end up selling their houses and collections like in Elmgreen & Dragset’s show. One of the events that marked with three stars in my schedule is the opening of French No. 1 collector François Pinault’s new art centre in Punta della Dogana. Entitled Mapping the Studio, the exhibition showcases over 300 works from 60 artists traverse a creative period of four decades. They are all from Pinault’s collection and are open for public. A 2.4 meter tall boy holding a frog by its legs stands at the tip of the island, right outside the building. This marble-white statue of Charles Ray adds one more landmark to Venice. Though it may not be able to give you orientation, the show would surely give new directions to the art market trends.

Charles Ray, Boy with Frog, 2008, marble, 2.5m. Collection Francois Pinault

It takes only 10 mins walk from Dogana to Peggy Guggenheim Collection, the supreme site for contemporary art before Pinault set up his palazzos there. Other than the Gothic towers installed by the Belgian artist Wim Delvoye, there is a good reason to return to Peggy’s ─ to see Robert Rauschenberg’s Glut (1986 – 1989 & 1991 – 1995). As a critique of America’s over-consumption and its resulted modern ruin, Rauschenberg collected hundreds of pieces of metal scrap from junkyards to create a series of poetic assemblages where “the whole becomes greater than the sum of its parts”. This unexpected show is later voted by some friends to be the best in this year’s biennale. A truth suddenly revealed to me. When hundreds of biennales are being created all over the world, this single one that born in Venice in 1893 stands out to be the unbeatable Big Daddy not only for its visionary thematic show but also for the fact that a series of high quality collateral events is not possible elsewhere. Sometimes, their quality can even surpass that of the major show.

It is with all the exhibitions, cocktails, openings, parties, etc, that raised a biennale to the status of an unprecedented “contemporary art event”. The four-day-preview has summoned all the VIPs of the art world ─ collectors, museum directors, curators, artists, gallerists, dealers, auctioneers ─ to the little city. The fifth day is the official Opening of the Biennale. However, Madam and Monsieur VIPs already fled the show for the next event in Basel, bringing them champagne and spotlight. This moment, the little city is quiet again and the sunbeam has never been so gleaming. Suddenly, I realized that other than economic return, the Biennale has no much to do with the Venetians.

On this last day, I managed to get a seat to see Steve McQueen’s video Giardini (2009) in the British Pavilion. McQueen showed in two panels the Giradini during off-season when the abandoned space returns to the nature. With static camera lingers on the empty tracks and closed pavilions illuminated by moonlight, we see dogs rambling around, worms and beetles searching for fallen leaves and morning dew. At the middle of a rainy night, at the end of a bare tree branch, a drop of water lingers on. Each shot is a sensitive still photography that restores the dignity and beauty to the nature. At this moment of serenity, we are reminded that art aims to touch upon our soul. When the world agitates for art, art stops to be art.

Steve McQueen, British Pavilion, 2009 Photo: © The British Council, Photography by Prudence Cuming Associates

La Sociéte – 巴黎

文字 / 丁燕燕
相片提供 / La Sociéte
原文到載於「明日風尚」2009年五月號

來到聖日曼德佩廣場6號郤找不到目的地，唯有請教於同是6號的著名咖啡廳Les Deux Magots。服務員指著旁邊的一座六層高大樓說，Costes氏家族的餐廳就在那裡。沒有耀眼的招牌，就連玻璃大門也在幽暗的燈光下變得不起眼。推開玻璃門，眼前是兩扇三米高的沉重大木門，緊緊掩閉在內的正是新開張的餐廳La Sociéte。如此不張不揚地開張，它依然成為傳媒的時尚焦點，這叫深藏不露的高貴，這裡所代表的「社會」絕非普羅大眾，而是深宅大院裡的high society。共設130位的餐廳極速成為了名人食堂，客人包括Fendi家族、Domenico Dolce、Stefano Gabbana、哲學家Bernard-Henri Lévy及司法部長Rachida Dati。

餐廳室內裝潢由著名設計師Christian Liaigre操刀，這位曾為倫敦Selfridges及紐約Mercer酒店作設計的天才，是次選擇以巧克力色搭白色為主調，再以橘子色燈光提昇室內暖和度，並把大量空間交由藝術家創作。Jacques Martinez的銅柱雕塑、Sophie Lafont的大理石香檳吧、Gérard Traquandi掛在牆上的抽象陶瓷雕塑、Stéphanie Balini的簡約吊燈、Peter Lindbergh的攝影作品等等。而Christian Liaigre設計的皮革椅子、玻璃面的餐桌、花卉擺設等則營造懶洋洋的酒廊氣氛。

餐單方面，除了少不得的招牌法國菜鵝肝、龍虾、蝸牛之類，還有fusion的另類選擇如冬陰辣鱈魚、Le Club Saint-Germain三明治、脆皮燒鴨等。如果你不要點錯了那每道三百歐羅的魚子醬的話，一頓三道菜的午餐或晚餐加一杯酒約是六十歐羅。

La Sociéte, Paris
4 Place Saint-Germain-des-Près, 75006 Paris
+33.1 5363 6060

La Karrierebar – 有品味的奢華

文字 / 丁燕燕
相片提供 / La Karrierebar

Karriere即「事業」的意思，以如此嚴肅的人生命題為消遣買醉的酒吧命名，看似充滿矛盾，事實上郤是密切關聯。試問歷史上有多少新念頭、新運動是在把酒言歡間蘊釀？還有那些以開酒吧為人生志願與梦想的人？位於丹麥首都哥本哈根的Karriere Bar誕生至更多的聯想。它由著名藝術家Jeppe Hein於2007年成立，目的是創造一個「邂逅」的空間，讓不同社會層面的人有機地遇上，引發更多可能性。所以，Karriere Bar除了美酒佳餚外，還有定期舉行的講座、演出、音樂會、刊物，以及一年一度的藝術創作資助計劃。逢星期四是「Cocktail傳說夜」，在Live爵士樂中享受著一級調酒師精心泡製的經典雞尾酒，有的甚至要追溯至Cocktail的始源，如Aviation、French 75、White Lady 、Gibson等，聽說過了嗎？

但以上等等都不是它的過人之處。如果要選世上投資額最昂貴的酒吧，相信它一定入選，因為它象徵的是有品味的奢華。Karriere Bar本身就是一座當代美術館，內裡的每一件用具、裝潢、飾物，全是出自當今藝壇頂級藝術家之手。吧主Jeppe Hein設計的12米長吧枱Illusion for a Second會隨著客人的分佈而調皮地兩邊晃，酒杯、小吃、手袋不斷移位，還有比此更自然的搭訕藉口嗎？﹗Ernesto Neto設計的紫色愛巢Aaaaaaaa!!! Lounge你是不可能錯過的，其他的還有Olafur Eliasson的巨型吊燈International Career Lamp、Dan Graham的玻璃屏風Dividing Wall、Kristoffer Akselbo的Mona Lisa多士、Gardar Eide Einarsson的XXL洗手間、Douglas Gordon分別紋在兩位店主Jeppe及妹妹Lærke手臂上的「as you」及「find me」等等，共三十多作品，可真嘆為觀止。

Karriere Bar

Contemporary Art & Social Life

Flaesketorvet 57-67,

DK – 1711 Copenhagen

Vwww.karrierebar.com

首家Detox Hotel -- The Hotel Gabriel Paris

文字 / 丁燕燕

相片提供 / Hotel Gabriel Paris

三月於巴黎至潮地帶Les Marais開幕的精品酒店Hotel Gabriel Paris有個別稱叫「Detox酒店」，並以「首家排毒酒店」以宣傳口號。如何排毒？第一步，從睡眠開始。床及床墊的質料特為考慮人體內在的循環系統，部份房間更配有「Escortssleep」裝置，透過聲音、燈光、色調的整體配合，提高睡眠質素。第二步，浴室的設計是清一色的白及圓滑的線條，配上磨沙質感的用具已讓人精神為之一振，講究的按摩花灑及來自Berg冰山的清水，確是不同凡響。第三步，整座酒店採用超現實的裝潢設計，純白的主色調以清雅的粉色及柔和的燈光，不著眼處調以具催眠力的陰影，悠揚的音樂瀰漫著整個空間，以達到舒緩的效果。還有，餐飲方面，為住客提供一系列抗養化及刺激身體細胞的食譜，名為「Kusma Detox」。當然還有少不了的「Detox Experience」身心療程套餐︰水療SPA、按摩、香薰治療等。

這所四星級的精品酒店為住客提供四十一個客房及一個豪華套房。所有房間均設有高科技設備，空調、LED燈光、無線上網、I-pod音響座、大屏幕LCD電視等。另一特別之處是，這所酒店同時歡迎寵物入住，與主人一起享受滌淨身心旅程。客房價格由180歐羅至280歐羅不等。

Hotel Gabriel Paris

25 rue du Grand-Prieuré

75011 Paris

www.gabrielhotelparis.com

歐洲最大型 KAMI SPA

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SPA文化極速傳播全球，一月中於羅馬開幕的KAMI Spa是全歐洲最大型的水療按摩中心。佔地三千平方米的五層高建築物曾是意大利未來主義(futurism)藝術家們的工作室及展覽場地，現由泰籍建築師 Pisanu Tantisiriwat 改建為亞熱帶風情的SPA中心。水療按摩中心主人Raffaella 及 Stefano Sciarretta夫婦是熱愛藝術，中心隨處可見他們精心挑選的亞式傳統藝術品。在追求身心舒暢的同時，亦不忘淘治性情，做到神、靈合一。

水療按摩中心設有多種獨立按摩室及浴池，由標準房間至各種特色按摩設備，任由客人選擇。命名為「MING」(即「明朝」)為雙人豪華按摩室，內部均為明朝傳統木製傢俱，配以中國傳統按摩法。另一選擇是印度古法按摩，治療師會以微溫的印度油一滴一滴滲在客人額頭處，以舒緩神經緊張及頭痛等徵症，使隨後的按摩有得更佳效果。當中不可或缺的是傳統泰式按摩，其他選擇還包括日本式、印尼式等。除了部份豪華按摩室設有獨立浴池外，於中心地下大堂更暖水浴池及按摩池、桑拿浴室、茶座，Sciarretta夫婦善用羅馬一年四季充足的陽天，把天台改建為園林景致，供客人憩息，週末還可以在陽光下做yoga。

中心共有三十多位專業泰籍治療師為客人服務，她們原來都亞洲各主要城市的五星級酒店工作，具有豐富的經驗。到達羅馬之前，她們齊集於泰國進行緊張的訓練，以統一按摩手法及風格。中心為客人提供body scrub、body mask、body massage服務，每個程序約五十分鐘。價格方面，單次按摩約一百至一百五十歐羅，中心亦為客人提供一千至一萬歐羅不等的年票選擇。

KAMI Spa

Via degli avignonesi 11, Rome, Italy

電話︰ +39 06 4201 0039

網址︰www.kamispa.com

Autolib 汽車租用站

有說於去年成功推行並移植其他城市、國家的velib 自行車租用系統是巴黎市長 Bertrand Delanoë 最有建樹的計劃，於是Delanoë先生再接再厲，計劃推出汽車自動租用系統，進一步改善巴黎市內交通問題及環境污染。

計劃將於巴黎市中心及市郊設置七百個全自動化專用租車站，為巴黎市民提供四千輛smart car 小型汽車代步。你可以在離開家時取車，然後在目的地附近任何一個專用租車站歸還車子便可以。每輛車子具備電腦控制系統，告訴你可將汽車停放在哪裡，哪裡有可用的租車站。租車站每天二十四小時提供服務，用戶無需預約。每月月費為十五至二十歐元，其後每半小時約四歐元租金。計劃的意念是，只在需要時才使用汽車，換句話說，使用時付費，不使用時就不要讓一輛汽車加重生活負擔，同時節省能源。計劃預計於2010年第三季度推行。

巴黎市政府的目標是在2020年前將市區汽車流量減少四成，事實上，在Delanoë的推動下，巴黎市已開始有「預媒地」排擠私家車，例如減少私家車車道、提高公共停車收費、削減停車位、加重道路稅、汽車保險等。

計劃中的autolib將是全球首創的綠色交通措施，若成功的話，相信亦會成為其他各國的仿效對象。但要成功，其重要關鍵當然是公民質素。Velib推行一年，偶然也有蓄意破壞的個案，但遵守規則並履行公民責任的巴黎市民，已給政府打了強心針，推出autolib已不是天荒夜談。

Hot on the heels of the velib bike rental scheme in Paris. The mayor of Paris Bertrand Delanoë. has produced a new scheme to provide electric cars that can be picked up and deposited anywhere in the city and the outskirts..

The Autolib system as it is to be called will begin its operation at the end of 2009 and will involve 4000 carbon neutral electric cars when you pick up the car a computer will let you know of an available parking space at your destination. Some of the the details of the scheme are yet to be decided such as how much it will cost. One report says that the price will be around €200-€250 per month for around 60 miles of driving.

The reaction to the Autolib proposal has been mixed. On the one hand, the system is aimed to reduce still further the need for an individual or a family to own its own car in Paris. However, some, including the Green party, are more sceptical arguing that a car is still a car no matter how green it seems and people should be encouraged to use the Metro, buses and bicycles without clogging up the streets of Paris with yet more vehicles.

巴黎新式青年旅舍--St Christopher’s Inn

文字 / 丁燕燕

相片鳴謝︰St Christopher’s Inn Paris

如果有朋友到巴黎旅遊，我從不建議他們住進青年旅舍。的確，巴黎的青年旅舍質素參差，一般網上評分只得65分，遠遠低於歐洲其他城市的85分。但最近當我看到這家新落成的青年旅舍的圖片時，我極為驚喜，「真的嗎？﹗」 旅舍的外觀極具工業味，叫人期盼內裡會不會是一間間時尚的loft？﹗

旅舍位置無懈可擊，坐落在塞納河河畔，亦是著名的Bassin de la Villette所在地，這裡是巴黎唯一可划船的地方，兩岸各有一著名的mk2戲院，由戲院特設渡輪接駁，景致極浪漫迷人。這裡距離主要火車站 Gare du Nord 或著名的遊覽名勝Montmartre只須十分鐘。旅舍於今年七月投入服務，名為St Christopher’s Inn Paris，可容納300人。的確，旅舍房間極為寬敞，分設六人、八人及十人房間，每人每晚約25歐元。旅舍特設女生專區，並提供毛巾、清潔用品等。另有小量位於頂層雙人房間，每人約37歐元，從露台可眺望塞納河，將周遭古色古香的景致盡收眼簾。

St-Christopher’s Inn原為一家小酒吧，後來擴建為青年旅舍，現在於英國、蘇格蘭、柏林、阿姆斯特丹等地已有開設旅舍。負責人Romain指，巴黎旅舍有一Belushi’s 酒吧，酒吧對外開放，建築設計為一水上酒吧。另有為住客專設的網絡咖啡廳及無線上網服務，還有一活動室，作電影放映、派對、音樂會用途。豪華一點點，這裡還有免費桑拿浴，早點也是同樣免費供應﹗

St. Christopher’s hostel in Paris has now been opened for about a year and has delivered on its promises to be a great Paris hostel. This purpose built hostel can be found in the recently regenerated 19th district - on the scenic canal where Amélie was filmed. It boasts almost 300 beds, with a good mix of private rooms and dormitories, a plush Belushi’s Bar, live music on stage, a sauna, free Wifi and an internet cafe.

St Christopher’s in Paris is not only a new destination in the St Christopher’s group - it’s also a new development in the hostel concept. This Paris property provides more space, more privacy, more activities and promises a more fun hostel experience!

A Little History

St Christopher’s in Paris is a reconstruction of a 19th century warehouse called Magasins Généraux. This was burnt down in 1990, however its sister building on the opposite side of the canal is still there and was recently renovated and turned into student accommodation.

Because the site is such a prominent landmark on the Bassin de la Villette, the well known architect firm Chaix et Morel was appointed to rebuild the site. As you can see in the attached images, the building itself symbolizes the rebirth of the Bassin de la Vileltte area.

As part of this regeneration St Christopher’s Paris is proud to offer the latest and most efficient safety, hygiene and security standards, all contained within the classic style of a purpose built property that is every bit as cool and fun as it is comfortable and convenient.

St Christopher's Inn

159 rue de Crimée 75019 Paris

http://www.st-christophers.co.uk/paris-hostels

與當代藝術結合的Residence Barberini

攝影及文字 / 丁燕燕

一家四口或三五知己到遊羅馬，最理想的下榻地點相信就是位於市中心Palazzo Barberini的服務式公寓酒店Residence Barberini。酒店共設十二間公寓套房，由一房至三房不等，部份為兩層複式設計。客廳舒適開揚，設有特大露台，同時配備兩張沙發床，可以容納多兩個朋友。廚房設施完備，甚至可以應付一個正式晚宴。而頂層的penthouse更是結合享受與品味，尤其是它的半露天私家花園，除了是享受陽光早餐和舉行日落派對的最佳地點外，你還能將整個羅馬的迷人夜景盡收眼簾。公寓價格由每晚250歐元至550歐元不等。

然而，Residence Barberini最特殊的地方是，它牆上、走廊、接待處等掛著的不是甚麼裝飾品或抄襲品，而是一件件價真貨實的當代藝術品，展示還會由專人定期策劃、更換，當中不乏名師作品。例如，一進大門，就是Atelier van Lieshout 的Maxi Capsui Hotel Luxus (2002)，可以讓賓客坐在裡面聽音樂、看雜誌。而接待處展示的是著名華人藝術家陳箴的大型銅鐘裝置作品《音樂書架》(2000)、Maurizio Cattelan的攝影作品《無題 (黑色星星)》(1996)及Sislej Xhafa的西瓜裝置《Autoritratto KG》(2003)。這是酒店的老闆Stefano Sciarretta 及他的妻子Raffaella Frascarelli兩位藝術愛好者的收藏，他們建立了一個龐大而重要的當代藝術收藏，並成立Nomas 藝術基金，同時慷慨地與酒店賓客分享珍藏。

Residence Barberini

Via Delle Quattro Fontane, 171/172, 0184 Rome

電話︰39 06 4203341

網址︰www.residencebarberini.com

Roman Sky

Rome by Night - 8mm version

Visioni interiori - Bill Viola

(from an email to a dear friend)

Today i went to see an individaul exhibition of Bill Viola which I loved soooo much! This is the first time that I saw a solo show of Bill Viola and i was completely stunned by his work ...

A little story: in 2002, i wrote him an email inviting him to go to Hong Kong for an artist-in-residence project for 6 months. Then he replied me not by email but a letter, a hand-written letter posted with a stamp!! I still remember the letter was written in capital letters, begins with "DEAR SELINA" and ends with "YOURS, BILL". I was so touched when I received it though the reply was negative.... unfortunately, i couldn't keep it as a souvenir but had to file it into the documents. Probably now a piece of torn paper.

I knew a bit of his work but never really seen one until in Paris. I was so excited to discover this solo show, which is so unexpected and yet marvellously beautiful !! There are 16 vidoes all together, a correct size for a video show in my opinion. Most of the shows in Paris museums are huge that determined to exhaust the visitors. 16 pieces is really good, on average 15 mins on each video, which is about the right running time of Viola's work, so you spent 3 hours for the visit and able to see almost all the work in complete.

I like in particular The crossing (1996), Catherine's Room (2001), Five Angels for the Millennium (departing angel) (2001), The Greeting (1995), The Veiling (1995) and Ocean without Shore (2007). His video gives audience a total experience (which hits me some much right now since I've been troubled with the word "exhibition" for a while), every single piece is an integration of visual aesthetic, sound, lighting, emotion, vision and imagination, and sometimes even physical movement of the space when the sound goes to a certain high frequency that the wall starts to shake!

Most of them are so emotionally intense yet all the images go so slowly, like taking a break from the reality to chew on the feelings of that particular single moment in life. The low frequency of the sounding system hypnotise the audience, you feel like you are entering into that moment of life, that you hear your own breathing, that you are completely surrounded by the vacuum of the distilled minute. Watching his video is like passing through redemption. He is a very meditative artist who like to explore the issues of life and death, memory and reality, suffrance and internal peace, emotion and detachment, etc. I like the title of the show, "visioni interiori", that's very Bill Viola !

I am not a big fan of video art, but Bill Viola is more than a video artist. He uses new technology to re-interprete the classical visual aesthetics. His images (the composition, the lighting, the colours scheme, the contrast, etc) are direct descendents of the italian renaissance, but the emotion and the attitude are contemporary, despite the fact that they are universal and eternal human predicament. When I stood in front of the five small screens of Catherine's Room, I coudn't take my eyes away from them ! The simple arrangement of the interior of each scene, the careful choice of colour (particularly the window and the fabric), the change of lighting, the slowness and tranquility of the movements... all the banality and confinement become such an immense visual pleasure, and every movement goes directly to the inner world of the personnage, so peaceful. At that moment, I dreamed to have some classical italian beauty and grace to be there in the scenes.

The other work, The Veiling, in which he set up 9 layers of silk screen with appx 30 cm of space in between, double projections from both ends through the silk layers. With the density of 9 layers, the images are perceivable but floating and sometimes nine-folded. It gives you the illusion of watching a 3D movie without the glasses on.

Ocean without Shore was created for the Venice Biennale last year. I haven't see the installation in its original scale. The version they are showing here is a looping of all the videos in the series. It's so powerful in terms of theme and images. It starts with black and white blur images of a person walking slowly towards the fixed camera. There is an invisible water screen in front, the moment when s/he passes the water screen, again everything in slow motion, the water splashes brutally on his/her body and s/he emerges from the water screen to a high-definition colour image, stunned himself as well the audience, he looks bewildered, troubled, excited and refreshed, like a rebirth or 1 minute in heaven. Then s/he truned quietly and passes again the water screen to his/her black and white blur world, sometimes, s/he would look back with nostalgic eyes, then disappears in melancholy. That's so powerful, really taking your breath away. It's the last video in the show and the latest of among the works as well, but the show is not chronological. When you finish a show with a powerful work, you look back with nostalgia too! An important consideration for a curator, I guess ! (Click to see the presentation of Bill Viola on Ocean without Shore)

Obviously, for Viola, the presentation (scenography) of each piece is perceived the moment the video is conceived. I appreciate the idea that artists create work with in mind the idea of showing instead of selling !

Bill Viola - Visioni Interiori / Palazzo delle Esposizioni di Roma / now - 06 January 09